Martin Bruny am Mittwoch, den
9. März 2011 um 10:35 · gespeichert in Rezensionen, Bücher, 2011
Am Anfang könnte eine Enttäuschung stehen. Wer sich etwa erwartet, in diesem Buch mit seinen 472 Seiten um den doch stolzen Preis von 75 Dollar sämtliche Off-Broadway-Musicals seit Beginn der Geschichte penibel aufgearbeitet zu finden oder gar alle diese Shows aufgelistet mit Premierendatum, Anzahl der Vorstellungen und so weiter, der wird – natürlich – enttäuscht. Dafür würde der Platz bei weitem nicht reichen, und die Frage ist, ob eine reine Auflistung aller Produktionen auch Sinn machte. Ein solches Unterfangen, das am ehesten Statistik-Fans gefallen würde, ist auch gar nicht das Anliegen des Autors Thomas S. Hischak. Denn Hischak ist kein reiner Datensammler, er hat etwas zu sagen, er urteilt, fasst Urteile zusammen, analysiert und erzählt, und das mit spürbarem Enthusiasmus. Der Preis, man mag ihn für überzogen halten – doch ist die Anzahl derer, die sich für Sachbücher über den Off-Broadway erwärmen können, offenbar ja so gering, dass es praktisch kaum Werke zu diesem Thema gibt. Insofern ist eben dieser recht hohe Preis wiederum auf eine gewisse Weise gerechtfertigt, denn allzu hohe Auflagen wird man mit derlei Büchern nicht fahren können, und es bleibt letztlich die Frage, ob sich ein Kauf lohnt.
Thomas S. Hischak ist Professor für Darstellende Künste an der Cortland State University, Autor von 16 Sachbüchern mit den Schwerpunkten Theater, Film und populäre Musik sowie Verfasser von 20 Theaterstücken. Seine bekanntesten Sachbücher: »The Oxford Companion to the American Musical: Theatre, Film, and Television« (2008), »Theatre as Human Action: An Introduction to Theatre Arts« (2005) und »Through the Screen Door: What Happened to the Broadway Musical When it Went to Hollywood« (2004).
Hischak analysiert in seinem Buch die Entwicklung des Off-Broadways anhand von 375 ausgewählten Musicals (im weitesten Sinne), beginnend bei »Greenwich Village Follies«, einer Revue aus dem Jahre 1919, endend bei »The Toxic Avenger« aus dem Jahre 2009. Für jede dieser Shows liefert er die Basisdaten wie Uraufführungsdatum, Anzahl der gespielten Vorstellungen (auch am Broadway, so ein Transfer stattgefunden hat), Angaben zum Leading Team, zu den Darstellern, zum Theater, in dem gespielt wurde – und zu jeder dieser Shows bietet er einen Artikel, der sich eingehend mit der Entstehungs- und Rezeptionsgeschichte der Produktion auseinandersetzt. Er liefert grobe Inhaltsangaben und bespricht die wichtigsten Songs. Hischaks Angaben sind vor allem bei jenen Shows wertvoll, über die man heute nur sehr schwer an Informationsmaterial kommt. In das Buch aufgenommen wurden ganz und gar nicht nur die Hits des Off-Broadways. Auch den Flops, die nur wenige Vorstellungen erlebten, wie etwa »Valmouth« von Sandy Wilson, wird viel Aufmerksamkeit geschenkt. Mit Sicherheit hat Hischak ein Faible fürs Kuriose, so nimmt er sich Zeit, genüsslich den Inhalt dieses England-Imports zu schildern, der für 40.000 Dollar 1960 im York Playhouse auf die Bühne gebracht wurde und genau 14 Vorstellungen durchhielt. Eine Show, dessen Rezeptionsgeschichte Hischak nach längeren, äußerst amüsanten Ausführungen so zusammenfasst: »The press was more confused than outraged. Several did praise the score, and the cast was roundly applauded, but just explaining the show in the reviews was enough to frighten audiences away.« Verweise auf den Score, auf die Songs, auf die Londoner Cast-CD, die immerhin mit einem Weltstar, Cleo Laine, aufwarten konnte – Hischaks Liebe für das Musicalgenre und sein Geschick, Fakten auf spannende Art und Weise zu vermitteln, machen dieses Buch lesenswert.
Eine These Hischaks, die sich quer durch einige seiner Bücher zieht und in dem hier besprochenen auch mit Zahlen und Fakten belegt wird: Es ist zwar möglich, das »typische Off-Broadway-Musical« zu charakterisieren, doch werden heutzutage immer weniger »echte« Off-Broadway-Musicals produziert. Was ein »Off-Broadway-Musical« ist, versucht der Autor so festzumachen: »Broadway musicals are bigger than life and offer outsized emotions expressed in large theatres; Off-Broadway musicals are smaller in scale and explore emotions that are more life-size as they are enacted in more intimate venues. When Broadway offers musical comedy, the songs, the dancing, the laughs, even the tears are big enough to fill a large and elaborate theatre. Off Broadway cannot afford such a scale and instead offers simpler productions and a more direct kind of music, dance, and comedy. (…) Broadway is about fame, glory, and success. Off Broadway is about smart, sharp, little shows that make a personal impact. Many actors, writers, and directors first find critical acclaim Off Broadway, but only Broadway can make stars and super showmen.«
Wurden früher Musicals explizit für den Off-Broadway produziert, so ist der Off-Broadway heute immer mehr eine Vorstufe, um es von da zum Broadway zu schaffen. So nennt Hischak auch das Kapitel, das sich mit den Musicals des Off-Broadway von 2000 bis 2009 beschäftigt »Fodder for Broadway«. Zwölf Produktionen haben in dieser Zeit den Wechsel vom Off- zum Broadway gewagt, mehr als in jeder Dekade davor. Doch ein Erfolgsrezept ist diese Strategie nur bedingt, denn fünf dieser Shows sind gefloppt, teils trotz großartiger Kritiken. Beispiele: »Caroline, or Change«: 106 Vorstellungen Off-Broadway, 136 Vorstellungen am Broadway. Hischak: »Had the show remained Off-Broadway, it is likely it would have run and run because it was the kind of musical that flourished on word of mouth, not critical acclaim.« Gefloppt auch: »Grey Gardens« (Off-Broadway: 63 Vorstellungen, Broadway: 307 Vorstellungen), »Passsing Strange (56 Vorstellungen Off-, 165 Vorstellungen Broadway) – »a Broadway show that wasn’t Broadway in spirit, attitude, score, or satisfaction«. Hischaks These, warum es manche Off-Broadway-Shows dann doch schaffen, auch am Broadway Erfolg zu haben, ist im Prinzip simpel, aber nachvollziehbar. Musterbeispiel: »Rent« ging zwar vom Off- zum Broadway, doch »without losing any of its intimacy and power«. Man war zwar als Zuschauer am Broadway, hatte aber »Look and Feel« einer Off-Broadway-Show. Dasselbe trifft auf diverse andere erfolgreiche Transfers zu, wie beispielsweise »Spring Awakening« oder »Avenue Q«.
Zurückkommend auf die Eingangsfrage: Lohnt sich der Kauf? Ja!
Thomas Hischak: Off-Broadway Musicals Since 1919. From »Greenwich Village Follies« to »The Toxic Avenger«. Scarecrow Press, Inc., Plymouth 2011. 472 S.; (Hardcover) ISBN 978-0-8108-7771-9 / ISBN 978-0-8108-7772-6 (E-Book). $ 75,00.
Ulrich N. Schulenburg; Susanne Wolf (Mitarbeit); Peter Turrini (Vorwort) – Sie werden lachen, alles ist wahr. Anekdoten eines Glücksritters. Amalthea Verlag, Wien 2011. 332 Seiten. (Hardcover) ISBN 978-3-85002-745-8. EUR 19,95
Martin Bruny am Mittwoch, den
9. März 2011 um 02:05 · gespeichert in Musical, Deutschland, Kult
Über 200 Tanzbegeisterte, darunter das gesamte Ensemble des Staatsballetts Berlin, Ballettschüler der Stadt und Berliner Ballettfans überraschten am 3. März 2011 abends die Reisenden am Berliner Hauptbahnhof mit einer Tanzperformance. Mit dabei auch der Intendant des Staatsballetts Berlin, Vladimir Malakhov. Er wird in der neuen Produktion »OZ - The Wonderful Wizard” den wunderbaren Zauberer von OZ verkörpern, die Uraufführung ist am 12. März 2011 in der Komischen Oper Berlin.
Eigens für diesen Überraschungsauftritt im Berliner Hauptbahnhof, in Kooperation mit der Deutschen Bahn, entwickelte der Choreograph von »OZ - The Wonderful Wizard”, Giorgio Madia, eine Choreographie, die alle Mitwirkenden, zum Teil per Video, erlernen konnten. Zur Erkennungs-Musik seiner neuen Inszenierung tanzten alle Mitglieder des Staatsballetts Berlin zusammen mit Ballettschülern und Tanzbegeisterten der Stadt.
Am 28. Februar 2011 fand in Wien die erste “Listening Party” für “Iron & Coal”, das neue Konzeptalbum des Komponisten Jeremy Schonfeld (”37 Notebooks”, “Drift”, “Blue Skies and All”), statt. “Iron & Coal”, das in Berliner und Wiener Tonstudios eingespielt wurde, ist ein Konzeptalbum in Erinnerung an die Millionen Opfer des Holocaust - und für die, die überlebt haben, für Schonfelds Familie, für Jeremy Schonfeld selbst und vor allem für seinen Vater. In einem E-Mail-Interview erzählt der Komponist mehr über die Arbeit an “Iron & Coal”, er schreibt über seine Lieblings-CDs und beantwortet unter anderem die Frage, ob es seiner Meinung nach ein “perfektes Musical” gibt. Neun Fragen - Neun Antworten / 9 Q:
Martin Bruny: “Iron & Coal” has been recorded as a concept album in sound studios in Vienna and Berlin with Beat4Feet producing. You recorded “Drift” in 2000 as a concept album, later on it got a full musical production. What are your plans with “Iron & Coal”? Could that be a show for a Broadway production?
Jeremy Schonfeld: When I recorded “Drift” (actually, the original concept album was recorded in 2001 and released in 2002), I didn’t have ‘the big plan’ together for marketing and promotion. I knew it was a collection of songs relating to my own experiences living through divorce and child-custody. There was a raw immediacy to the original 11 songs that drew many people to the original source material - and still does today. The show(s) that resulted based on the original concept album increased the material itself (more songs), and continues to breathe life into the subject matter. “Drift” continues to grow each time we work on it, and is now set for a large production in the States (Kansas City, MO) this September.
Where “Iron & Coal” is different is the initial planning and execution of the material. 10 Years later, the music business is a completely different animal, plus you look at your career goals and expectations a bit differently at 41. My goal for IandC is to mount a large-scale Concert Event that serves as both a storytelling evening and a rock concert combined. Kind of a hybrid event, if you will, like the original “Tommy” or “The Wall” (maybe not quite as big, but you get the idea….!). This event could then tour, sit in a theater, maybe even find a home on Broadway. But Broadway isn’t the only goal or option for this piece at the moment … It’s a big world!
Martin Bruny: Mel Brooks’ “The Producers” flopped in Vienna a few years ago. Dealing with that topic in a satirical way in a country which is still in a process of “problem solving” could have been one reason. Can you imagine “Iron & Coal” as a musical production in Vienna? Are there any plans?
Jeremy Schonfeld: Well, one thing I am very cautious about is the labeling of “Iron & Coal”. This is not a musical for a reason. When I began creating the album, I made it a point to steer clear of mapping out the songs in a linear fashion. I wanted to concentrate on real, emotional material - songs that were immediately recognizable in their relation to the subject matter, mixed with songs that were more subtly related - setting myself free from a blue print of what “Iron & Coal” had to be. The results, hopefully, are a bit more far-reaching than shows like “The Producers” (which I loved on Broadway, btw), because I am working from real human emotion and experience rather than attempting to hit points on a map. In the end, a song that I am moved to write only works for an audience on their terms, not due to my personal experiences. If I touch a more universal nerve, the listener will relate to the landscape and they will be moved to open their hearts to this album. And if I have have accomplished this goal with IandC, it can and will be successfully performed and produced anywhere that will have us - especially Vienna.
Martin Bruny: How did you come to collaborate with Beat4Feet? Can you tell us more about the work on your album in the recording studios. Are you working with a band or an orchestra?
Jeremy Schonfeld: As I was creating the music for this album and looking at various options for producing the recordings (including an NYC record deal I turned down to work in Vienna), I was persuaded by a mutual friend, Larry Adelman, to meet Martin Gellner (one half of Beat4Feet) at a diner for lunch in Manhattan. We had that connection thing immediately. Originally, I thought I might visit and do some orchestra recording in Vienna, but soon came to realize that I was really far more interested in trying to create the whole project with these guys. Personally, professionally, it all made sense.
We began in August with me laying down ’scratch’ piano/vocals for the majority of the songs for the album. Using those reference tracks, we began to map out the album itself from a production standpoint; What instrumentation/arrangements did we want? Who did the boys want to bring in to play? Once recording began in January, Martin and Werner had assembled the players they wanted and we had a strong sense of all the arrangements we wanted to create, giving room for flexibility to discover as we went.
Basically, the working environment was collaborative from the get-go. I wrote the songs, (I sing and play piano throughout the album). From there, I had ideas for arrangements and production values that I brought to the table. Werner and Martin took notes and began to work from my thoughts as well as their own inspirations. The orchestrations were mainly Martin’s area, the electronic layout was Werner, and I kinda went back and forth with both. It was a very creative and detailed working atmosphere, and everyone worked extremely hard. We didn’t cut any corners in this production.
Martin Bruny: Can you recall the moment you decided to compose songs for a concept album about this topic? What led to your decision to write the songs.
Jeremy Schonfeld: I had been considering the subject matter for a long time, but was never sure when the timing would be right. My father wrote and published his memoirs (”Absence of Closure”, Dr. Gustav Schonfeld) in 2009. At the time, I was in discussion with the very talented director, Daisy Prince, to create an original piece together. It was Daisy who pointed out that maybe the time was right to take a stab at the subject matter.
Martin Bruny: Are you planning to play concerts in Vienna, give master classes at performing arts schools here in Vienna?
Jeremy Schonfeld: Would love to do both, yes.
Martin Bruny: A lot of composers are not able or simply don’t want to talk about the creating process of writing songs. Others, like Stephen Sondheim, are able to write books about that topic. Can you describe how you are composing a song? Do you need a special environment, are you composing just for one album a time? How do you know that a song is finished? How long did you work on “Iron & Coal” …
Jeremy Schonfeld: Well, this is a very loaded question with several answers. Honestly, writing songs is a craft that each writer develops internally over time. Personally, I love the challenge of creating emotionally compelling music that covers broad areas of musical terrain. At heart, I am a storyteller, so moving into musical theater was a natural progression (even as I, admittedly, don’t love all things of musical theater, my passion is telling stories through music). For me, writing a song is kind of like solving an elaborate puzzle. The craft you develop over time enables you to know what tools you have in your tool belt for use in solving each puzzle. Songs can take weeks, months to create, and sometimes they come out within minutes or hours. The trick is knowing when to push forward and when to walk away.
Martin Bruny: How important it is the web for artists nowadays. Can you describe a little bit which web devices, technologies and software (i. e. for composing, writing lyrics) you are using? Are you on Facebook, Twitter, Myspace - and if you are, does it help making your work more popular? How important is it for an artist to have a website?
Jeremy Schonfeld: I am, admittadly, not the most technology-minded musician in the world. I still write with a pencil, a pad of paper, and a big rubber eraser sitting at a real piano. That’s how my process begins. Computer stuff comes later. Same with other technologies. I have embraced Facebook, have been urged by my manager to blog (yeah, I failed there), and have never understood Twitter. Email, text, and Facebook are as much as I can handle!
Martin Bruny: Are you a perfectionist, are you trying to write a “perfect” musical or a perfect song? Is there a perfect song? What is your goal in life as an artist?
Jeremy Schonfeld: Am I a perfectionist? I would say yes. This doesn’t necessarily mean that I am one of those sour, always unhappy and unsatisfied ’suffering artist’ types. Do I have my moments? Sure, but in general, I like to think I am a very lucky man. I have a wonderful family, great friends, wonderful work opportunities, and I am damn good at what I do. A few more dollars in the banks would be nice, but really my goals in life are simple: Be happy, do great work, and appreciate my life as I am living it.
To answer the question about the ‘perfect song or musical’, I would say, sure there are some wonderful songs out there - even some I have written. Same with musicals. Personally though, I don’t believe in judging perfection. If the artist feels it is perfect, that’s all that matters. If an audience feels the same, then that is a wonderful bonus. An artist cannot create his or her work for the audience though. You keep them in mind, of course, but at the end of the day, it must come from the heart first, mind second.
Martin Bruny: If you would have to create a “Soundtrack of Your Life”: Which 5 CDs are important in your life and why?
Jeremy Schonfeld: These are a bit random, maybe even surprising (in no order of importance):
1) Billy Joel - Glass Houses/52nd Street/Cold Spring Harbor etc.
All that 70’s and early 80’s Billy Joel was rich with storytelling and passion. Billy was a master at matching music and lyric together as well, which is something I pride myself in.
2) Supertramp - Breakfast in America
“Take the Long Way Home” is still one of my favorite songs. Emotional, epic.
3) Boston - Boston
My very first cassette tape. Can’t you see 7 year old Jer running around with a little tape player blasting “More than a Feeling”? Priceless. That music just sang to me.
4) Chess - Original London cast album
Don’t really listen to this one that much anymore, but man - this totally changed my view of musical theater at the time. Intrigued me enough to try writing it …
5) Beatles - anything
How can you pick the best Beatles album or song? Hugely influential to me as a kid. And still …
Martin Bruny am Dienstag, den
8. März 2011 um 01:47 · gespeichert in Musical, Wien
Ein Wien-Gastspiel der unter der Schirmherrschaft von Peter Weck stehenden “Cats”-Tournee von BB Promotion ist nach wie vor nicht unter Dach und Fach. Eine Pressekonferenz, die für den 7. März 2011 angesetzt war, musste verschoben werden.
“Aller Voraussicht nach” werde man noch 2011 in Wien im großen Theaterzelt spielen, “möglicherweise in Neu-Marx”, so BB Promotion.
Peter Weck dazu: “Ich freue mich darauf, “Cats” nach so langer Zeit wieder in Wien erleben zu dürfen. Die Rundbühne ist für das Publikum hervorragend.”
Stellt sich die Frage, ob sich irgendwer darüber vielleicht nicht gar so freut.
Martin Bruny am Dienstag, den
8. März 2011 um 00:36 · gespeichert in Musical, Broadway
Es war nur eine Frage der Zeit. Oder anders formuliert. Es gibt Las Vegas, wo Crooner wie Sinatra, Manilow, Midler und wie sie alle heißen, ihre Shows in den großen, manchmal extra für sie gebauten Konzerthallen bestritten und bestreiten, und, machen wir uns nichts vor, diese gigantischen Produktionen sind weit mehr “Musical” als es ein “Musical” wie “American Idiot” je sein wird. Was “American Idiot” war für einige Wochen: das Las Vegas des Broadways. Hier konnte Green Day-Frontman Billie Joe Armstrong sein ganz persönliches Konzert jeden Tag spielen, in einem netten Setting, ganz im Stile einer gut choreografierten Las-Vegas-Show mit null Glaubwürdigkeit, was das Musicalgenre betrifft. Die “Green Day”-Fans jedoch kamen. 1,3 Millionen Dollar spielte die Show Woche für Woche in dem Szenario “Green Day”-Konzert ein.
Aber Billie Joe Armstrong ist nicht mehr … nicht mehr Teil der Show, sein Engagement ist beendet, und “American Idiot” ist dort gelandet, wo es ohne Armstrong war und, als “Musical”, immer hätte sein sollen: in der Realität, und die liegt bei 395.275 Dollar Umsatz die Woche. (siehe –> hier)
Momentan spielt man vor halbleerem Haus, eine Strategie, noch einmal in eine Erfolgszone zu kommen, gibt es nicht. Normalerweise bleibt den Produzenten in einem solchen Fall nur eines übrig: die Show abzusetzen.
Keine Frage, die Zeiten sind in diesen Wochen hart für den Broadway. Nur drei Produktionen konnten in der letzten Woche mehr als eine Million Dollar einspielen:
- «Wickedâ€: $1,39 million
- «Spider-Man: Turn Off the Darkâ€: $1,28 million
- «The Lion Kingâ€: $1,2 million
Aber dennoch, Nummer eins unter den Verlierern ist “American Idiot”. Zeit, sich zu verabschieden.
Frank Wildhorns Musical “Wonderland - A New Alice. A New Musical” startet am 21. März 2011 in die Broadway-Previews, angestrebtes Premierendatum: 17. April 2011. Bereits am 6. März 2011 fanden für Masterworks Broadway die Aufnahmen für die Cast-CD zur Show statt, die ab Mai 2011 erhältlich sein wird. Broadwayworld.com war mit dabei und liefert Fotos aus dem Studio –> hier.
Produziert wird die CD von Frank Wildhorn, David Lai und Jason Howland. Masterworks Broadway ist ein Label von Sony Masterworks.
Ensemble
April Berry, Grady McLeod Bowman, Joey Calveri, Sae La Chin, Mallauri Esquibel, Derek Ferguson, Wilkie Ferguson, Laura Hall, Natalie Hill, Lauren Lim Jackson, Morgan James, Ryan Link, Kate Loprest, Renee Marino, Heather Parcells, Stefan Raulston, Julius Anthony Rubio und Tanairi Vasquez.
Ein 26-minütiges Interview mit Frank Wildhorn bietet “InnerVIEWS with Ernie Manouse” –> hier.
600 Songs aus Disney-Filmen, das war die Ausgangsbasis. Das Ziel: die bekannten Hits aus den Animationsblockbustern unser aller Jugend in neuem Gewand zu zeigen, diesmal im Jazzgewand. So neu ist dieses Ziel natürlich nicht. Disneys Filmhits wurden schon in den unterschiedlichsten Stilmäntelchen veröffentlicht, und Disneys Faible für Jazz lässt sich bis in die 1920er Jahre zurückverfolgen. Umgekehrt wählten einige der prominentesten Jazzer der Welt immer wieder Disney-Songs in ihr Repertoire, wie Bunny Berigan, Artie Shaw, Glenn Miller, Louis Armstrong, Dave Brubeck, Miles Davis oder John Coltrane, um nur einige zu nennen. Dieses Mal sollte das Projekt mit aktuellen Jazzgrößen umgesetzt werden. Herausgekommen ist die CD «Everybody Wants To Be A Cat: Disney Jazz, Volume 1†(Walt Disney Records), produziert von Jason Olaine.
Olaine startete vor zwei Jahren mit der Umsetzung und kontaktierte renommierte Jazzmusiker. Der Auftrag an alle Interessierten war, in einem Satz formuliert, einen Disney-Klassiker neu zu interpretieren, in welchem Arrangement und in welchem musikalischen Stil auch immer.
Olaine dazu:
I wanted to get a group of people together who would represent the many styles of jazz, such as getting The Bad Plus for an adventurous take, Regina Carter for a world music-oriented rendering and Joshua Redman for a well-rounded sound. We wanted to get the breadth and depth of what jazz is, as well as represent the generations of players, ranging from Dave Brubeck, who recorded a full album of Disney music, Dave Digs Disney, in 1957, to Nikki Yanofsky, who’s still a teenager.
Zusagen bekam der Produzent von Dave Brubeck, Joshua Redman, Roy Hargrove, Mark Rapp, Dianne Reeves, Roberta Gambarini, The Bad Plus, Nikki Yanofsky, Esperanza Spalding, Regina Carter, Gilad Hekselman, Kurt Rosenwinkel und Alfredo Rodriguez.
Tracklist
01. «Ev’rybody Wants To Be a Cat†[The Aristocats] – Roy Hargrove
02. «Chim Chim Cher-ee†[Mary Poppins] – Esperanza Spalding
03. «Some Day My Prince Will Come†[Snow White and the Seven Dwarfs]– Dave Brubeck
04. «Find Yourself†[Cars] – Regina Carter
05. «You’ve Got a Friend in Me†[Toy Story] – Joshua Redman
06. «He’s a Tramp†[Lady and the Tramp] – Dianne Reeves
07. «Feed the Birds (Tuppence a Bag)†[Mary Poppins] – Kurt Rosenwinkel
08. «Gaston†[Beauty and the Beast] – The Bad Plus
09. «Alice in Wonderland†[Alice in Wonderland] – Roberta Gambrini with The Dave Brubeck Trio
10. «The Bare Necessities†[The Jungle Book] – Alfredo Rodriguez
11. «It’s a Small World†[It’s A Small World] – Nikki Yanofsky
12. «Belle†[Beauty and the Beast] – Gilad Heckselman
13. «Circle of Life†[The Lion King] – Mark Rapp
Bemerkenswert an dieser CD ist beispielsweise, dass es sich um den ersten Tonträger mit einer Aufnahme von Esperanza Spalding nach ihrem Grammy-Gewinn 2011 handelt. Als “Best New Artist” wurde die Künstlerin ausgezeichnet, für Disney interpretiert sie “Chim Chim Cher-ee” aus “Mary Poppins”. Spalding über ihre Wahl:
I’ve always been haunted by this song since I first saw Mary Poppins as a child. It has been such a treat to re-visit this music as an adult and explore the magic of the melody. The melody of ‘Chim Chim Ceree’ is sweet and lilting, yet has a bitter tinge of melancholy. …Finding a way to add to this song without burying the magic of it’s simplicity was challenging.
Einer der prominenten Produzenten dieser CD: Quincy Jones. Unter seiner Obhut entstand Alfredo Rodriguez’ Neuinterpretation von «The Bare Necessities†[The Jungle Book]. Der kubanische Klaviervirtuose liefert ein sensationelles, atemberaubendes Meisterstück.
Die kanadische Jazzsängerin Nikki Yanofsky war gerade mal 15 Jahre alt, als sie ihre Version von “It’s A Small World” eingesungen hat, eine Big-Band-Version, in der sie ihren beeindruckenden Stimmumfang gekonnt demonstriert, mit einer großartigen Scat-Einlage.
Der 90-jährige Dave Brubeck spielte “Someday My Prince Will Come” schon 1957 ein für seine CD “Dave Digs Disney”. 54 Jahre danach sieht er sich in einem swingenden Walzer-Arrangement mit diesem Hit gut aufgehoben, eine klassische Brubeck-Version. Gemeinsam mit Roberta Gambrini ist er auch auf “Alice in Wonderland” zu hören.
Die innovativste Version eines Disney-Hits (”Gaston” aus “The Beauty and the Beast”) liefert sicher “The Bad Plus”: abstrakt, verrückt, wunderbar, eine Mischung aus Dekonstruktion und Verspieltheit. Schon diese Version allein ist es wert, sich die CD zuzulegen.
Am 28. Februar 2011 fand in Wien die erste “Listening Party” für “Iron & Coal”, das neue Konzeptalbum des Komponisten Jeremy Schonfeld (”37 Notebooks”, “Drift”, “Blue Skies and All”), statt.
“Iron & Coal”, das in Berliner und Wiener Tonstudios eingespielt wurde, ist ein Konzeptalbum in Erinnerung an die Millionen Opfer des Holocaust - und für die, die überlebt haben, für Schonfelds Familie, für Jeremy Schonfeld selbst und vor allem für seinen Vater.
Jeremy Schonfelds Vater Gustav Schonfeld (78) ist ein Auschwitz-Überlebender. Seine Autobiographie “Absence of closure” ist im Februar 2009 erschienen. Gustavs Schicksal und sein Umgang damit waren dominante Themen im Leben von Jeremy Schonfeld. Als Gustav an seinem Buch arbeitete, war Jeremy sein erster Leser.
Als Komponist war es Jeremy Schonfeld eines Tages klar, dass er das Thema musikalisch verarbeiten wollte. Zuerst überlegte er, die Biographie seines Vaters als Basis eines Musicals oder einer Oper zu verwenden, erkannte aber rasch, dass das die Geschichte seines Vaters war und er für seine Aufarbeitung einen eigenen Zugang brauchte. Er entwickelte eine Parallelhandlung von Vater und Sohn.
“Iron & Coal” handelt von einem Vater, Mitte 20, der mit dem Umstand umzugehen lernen muss, dass er überlebt hat, und andere nicht. Seine Reise endet mit der Geburt seines Sohnes. Als Parallelgeschichte wird die Entwicklung seines Sohnes erzählt, dessen Reise mit dem Tod seines Vaters beginnt. Sein Leben ist von dessen Leiden, von Auschwitz überschattet. Seine Reise führt ihn in einen Zustand, in dem er sich von dem Schatten von Auschwitz endlich befreit fühlt.
Der Komponist beschreibt sein Projekt folgendermaßen:
My father, Dr. Gustav Schonfeld, was a mere 10 year-old boy in May of 1944 when the Nazis marched into his hometown of Munkacs, a villiage nestled near the Carpathian mountain range close to the Hungarian border. Shortly thereafter, he was forced, along with my grandparents, his baby brother, and several relatives, into the overcrowded cattle cars that brought countless numbers of Jews to Auschwitz for ‘extermination’. For an entire year my father endured what most of us can never truly imagine or comprehend.
In a preserved class photo featured in his memoirs (”Absence of Closure”), my father sits center amongst a group of 30 of his young classmates and their rabbinical teacher. My father is the only survivor from that photo.
My grandfather used to say that he could ‘break iron’ with his will.
My grandfather, Dr. Alexander Schonfeld, was a very successful and highly respected doctor in Munkacs before the war. With his wife, Helena, and his three sons Fredi, Gustav, and baby Solomon, Grandpa built a large home with a separate office suite for his thriving practice near the center of town at Munkacsy Mihaly Street 10. When the Nazis finally ‘cleansed’ Munkacs, it was my grandfather’s finely-honed skills as both steady and knowledgeable doctor and trusted leader that helped spare his and my father’s lives. He was also famous for saving others. As a child, I remember an older man approached my grandfather while our family was in Miami on vacation. He had tears in his eyes as he thanked my grandfather for saving his life.
When I first set out to create “Iron and Coal” I didn’t know precisely what I was doing or why. After all, the experiences my father shared in his memoir were his alone. What business did I have attempting to ‘musicalize’ his story? After much soul-searching, I decided the best course of action was to focus on the emotional toil and fallout of the Holocaust over the victim (my father) and his son (me). I gave myself artistic license to explore these emotional perspectives through my own eyes, freeing myself from the burden of specific linear storytelling. The result is an album covering three main areas: 1) A father as he attempts to create a life out of the ashes, 2) A son as he attempts to come to terms with his fractured life after his father has passed away, and 3) The ghosts of a distant, vanished world.
Erste musikalische Proben aus “Iron & Coal” bietet Jeremy Schonfeld auf seiner Website –> hier.
“Iron & Coal”-Team
- Martin Gellner
- Jeremy Schonfeld
- Werner Stranka
Ein Wien-Gastspiel der unter der Schirmherrschaft von Peter Weck stehenden “Cats”-Tournee von 
Am 28. Februar 2011 fand in Wien die erste “Listening Party” für “Iron & Coal”, das neue Konzeptalbum des Komponisten Jeremy Schonfeld (”37 Notebooks”, “Drift”, “Blue Skies and All”), statt.
“Iron & Coal” handelt von einem Vater, Mitte 20, der mit dem Umstand umzugehen lernen muss, dass er überlebt hat, und andere nicht. Seine Reise endet mit der Geburt seines Sohnes. Als Parallelgeschichte wird die Entwicklung seines Sohnes erzählt, dessen Reise mit dem Tod seines Vaters beginnt. Sein Leben ist von dessen Leiden, von Auschwitz überschattet. Seine Reise führt ihn in einen Zustand, in dem er sich von dem Schatten von Auschwitz endlich befreit fühlt.
